Nuestra Tierra, nuestra Madre: «Gaia», «Gea»🌎 🌍🌏

Gea o Gaya, alternativamente Gaia, literalmente: «Tierra» es la diosa primigenia que personifica la Tierra en la mitología griega, es una deidad primordial en el antiguo panteón griego, considerada la Madre Tierra.

Su equivalente en el panteón romano era Terra o Tellus Mater. Los romanos, a diferencia de los griegos, no distinguían sistemáticamente a la diosa primordial de la Tierra con la diosa propiamente del grano, Ceres.​

La Tierra es la progenitora fecunda y antepasada común de todos los dioses, hombres y seres vivos. Su carácter de «madre universal» (παμμήτειρα), «madre de todos» (communis mater) o «gran madre» (magna parens) viene expresado en sus numerosos epítetos.

La Pachamama, nuestra madre tierra.

Pachamama es una diosa venerada por los pueblos de los Andes, en la mitología Inca. Considerada Madre Tierra y diosa de la fertilidad que preside la siembra y la cosecha, encarna las montañas y provoca terremotos. También es una deidad siempre presente e independiente que tiene su propio poder creativo para mantener la vida en esta tierra. Sus santuarios son rocas sagradas o troncos de árboles legendarios, y los artistas la ven como una hembra adulta que lleva cosechas de papas y hojas de coca. Es el origen de los cuatro principios cosmológicos quechuas: agua, tierra, sol y luna. Es la madre de Inti, el dios del sol y Mama Killa, la diosa de la luna.

Después de la colonización española de las Américas, los conquistadores forzaron a los nativos a adoptar el catolicismo romano. La figura de la Virgen María se asoció a la de la Pachamama para muchos de los indígenas.

«El abrazo de amor del Universo, la Tierra, yo, Diego y el señor Xólotl» es una obra de la pintora mexicana Frida Kahlo, (1949).

La sabiduría ancestral nos enseña a honrar a Gea, Gaia, la diosa de la Tierra, para vivir en equilibrio y paz con nuestra madre.

Ejemplos de representación de la Tierra.

La Venus de Willendorf, del Paleolítico Superior, fue esculpida entre el 24 000 y el 22 000 a. C. Esta mujer desnuda, se realizó en piedra caliza paleolítica y tintada con ocre rojo. Proviene del territorio moravo, actualmente parte de la República Checa.

Nacimiento de Erictonio: Atenea recibe al niño de manos de la madre tierra Gea. Hefesto contempla la escena, 470-460 a. C.

Gea, por Anselm Feuerbach (1875). Fresco del techo de la Academia de Bellas Artes de Viena.

El jardín de las delicias de Jheronimus Bosch (el Bosco).

La Madre Tierra (Gaia, Gea) y su evolución en: «Génesis», «Paraíso», «Infierno».

El jardín de las delicias Tríptico abierto

Considerada como una de las obras más fascinantes, misteriosas y atrayentes de la historia del arte, el cuadro forma parte de los fondos de exposición permanente del Museo del Prado de Madrid, donde ingresó como depósito del Patrimonio Nacional en 1939.

Tríptico cerrado.

El tríptico cerrado: «La Creación del mundo», óleo sobre tabla, 220 cm x 195 cm.

El cuadro, cuando está cerrado, en su parte exterior, alude al tercer día de la creación del mundo. Se representa un globo terráqueo, con la Tierra dentro de una esfera transparente, símbolo de la fragilidad del universo. Solo hay formas vegetales y minerales, no hay animales ni personas. Está pintado en tonos grises, blanco y negro, lo que se corresponde a un mundo sin el Sol ni la Luna, aunque también es un modo de conseguir un dramático contraste con el colorido interior, entre un mundo antes del hombre y otro poblado por infinidad de seres.

Tríptico cerrado.

Tríptico abierto

Al abrirse, el tríptico presenta, en el panel izquierdo, una imagen del paraíso donde se representa el último día de la creación, con Adán y Eva. En el panel central se representa la locura desatada: la lujuria. En esta tabla central aparece el acto sexual y es donde se descubren todo tipo de placeres carnales, que son la prueba de que el hombre ha perdido la gracia. Por último, la tabla de la derecha representa la condena en el infierno; en ella se muestra un escenario apocalíptico y cruel en el que el ser humano es condenado por su pecado.

En su contenido está el principio y el fin humano. El principio en la primera tabla, que representa el Génesis y el Paraíso, y el fin en la tercera, que representa el Infierno.

Desde su creación, El jardín de las delicias ha fascinado a generaciones de espectadores con su complejidad y simbolismo. Las imágenes incluyen una variedad de seres fantásticos y monstruos, así como elementos religiosos y seculares. La obra también contiene un mensaje moral sobre la vida y la muerte, y se cree que refleja la creencia de Bosch en el pecado y la redención.

El cántico de las criaturas, San Francisco de Asís.

Madre Tierra (Gaia, Gea) y el «hermano Sol», la «hermana Luna».

En el Cántico de las criaturas, Francisco de Asís (Asís, 1181/1182​-ibidem, 1226) llama hermanos al sol, a la luna y a las estrellas, al viento, al agua y al fuego, y llama madre a la tierra «la cual nos sustenta y gobierna y produce diversos frutos con coloridas flores y hierbas».

Naturaleza y Arte: Madre Tierra en la pintura.

La pintura, como medio de comunicación, es practicada por el ser humano desde la prehistoria. A través de ella se transmiten ideas y emociones. El hombre ha pintado desde siempre paisajes, mostrando su vínculo con la Naturaleza. De hecho, a través del arte, se la representó en toda su belleza natural. Para muchos artistas la naturaleza es una parte esencial de sus obras: en ellas no solo muestran su encanto, sino que son un instrumento de respeto y concientización.

Madre Tierra, Gaia, Gea en las obras de:

Paul Cézanne (1839-1906).

Cézanne fue un pintor francés postimpresionista, considerado el padre de la pintura moderna y cuyas obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX, nuevo y diferente.

Estilo

Cézanne intentó conseguir una síntesis ideal de la representación naturalista, la expresión personal y el orden pictórico. Manifestó un interés progresivo en la representación de la vida contemporánea, pintando el mundo tal como se presentaba ante sus ojos. Con este fin, ordenaba estructuralmente todo lo que veía en formas simples y planos de color.

Cézanne es conocido por sus pinturas de paisajes y naturaleza, así como por su estilo único de pintura que se caracterizó por su simplificación y abstracción de las formas.

En sus pinturas de paisajes, Cézanne buscaba capturar la esencia de la naturaleza y crear una sensación de profundidad y perspectiva. Utilizaba la técnica de la «pincelada suelta» para crear un efecto de luz y sombra en sus cuadros. Además, solía utilizar colores vibrantes y contrastantes para dar vida a sus paisajes.

También:

Paul Gauguin (1848-1903).

Fue un pintor francés postimpresionista, reconocido después de su fallecimiento. El uso experimental del color y su estilo sintetista fueron los elementos principales de su obra. Las pinturas de Gauguin sobre paisajes y naturaleza son conocidas por su estilo vibrante y audaz, así como por su enfoque idealizado y mítico de la naturaleza.

Los temas en sus pinturas, bajo la influencia del cloisonismo, ayudó su llegada al primitivismo y el regreso al estilo pastoral (captura de la naturaleza, paisajes, animales).

Buscó representar el paraíso en la tierra y lo plasmó especialmente en las obras que realizó en Tahití. En ellas representó principalmente figuras femeninas indígenas y paisajes incontaminados de una naturaleza exuberante.

«Cada característica de mis pinturas es cuidadosamente considerada y calculada de antemano. Al igual que en la composición musical, por ejemplo. Mi objetivo, el cual tomo de la vida diaria o de la naturaleza, es meramente un pretexto, que me ayuda definiendo un arreglo de líneas y colores para crear sinfonías y armonías. No tienen ninguna contraparte, en realidad, en el sentido vulgar de tal palabra; no dan una expresión directa de ninguna idea, sino que su único propósito es estimular la imaginación – como la música lo logra sin la ayuda de ideas o imágenes – simplemente con esa misteriosa afinidad que existe entre ciertos arreglos de colores y líneas en nuestras mentes».

Paul Gauguin

Seguidamente, Madre Tierra (Gaia, Gea) en los trabajos de:

Gustav Klimt (1862- 1918).

Gustav Klimt fue un pintor simbolista austriaco, y uno de los más notables representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa.

Klimt fue un maestro en la combinación de técnicas tradicionales de pintura con elementos innovadores y decorativos, lo que le permitió crear un estilo propio e inconfundible. Sus obras a menudo presentan detalles ornamentales, patrones geométricos y una atención meticulosa al color y a la textura, lo que le dio a su trabajo una calidad única y distintiva. Fue un innovador en términos de técnica, utilizando capas de pintura, metales y otras texturas para dar profundidad y riqueza a sus obras.

En la segunda mitad de su vida, pintó intensamente paisajes, algunos de ellos muchísimas veces. Lo hacía durante los meses de verano. Sus paisajes también reflejan su habilidad para capturar la esencia de la naturaleza con un enfoque estilizado y decorativo. Estas obras ofrecen una visión única del mundo natural a través de la lente artística del famoso pintor austriaco.

«Con mi objetivo, que no es más que un agujero en un trozo de cartulina, miro los detalles de los paisajes y encuentro grandes cosas o nada».

Gustav Klimt.

En cada amanecer, la Madre Tierra, Gea, nos regala su belleza y esplendor, recordándonos que somos parte de Gaia.

A continuación:

Joaquín Sorolla (1863- 1923).

Fue un pintor español valenciano. Artista prolífico, dejó más de 2200 obras catalogadas. Su obra se califica como impresionista, postimpresionista y luminista.

Viajó por todo el país realizando bocetos y trabajos de costumbres y paisajes. De esta tarea destacan los óleos pintados dedicados a niños y mujeres en las playas de Valencia, donde predomina la libertad de su pincelada y la luz de su tierra. 

Su amor por la pintura no puede entenderse sin su pasión por la naturaleza, a la cual representó integrada de manera armoniosa con el ser humano.

Sorolla era un maestro en el manejo de la luz y el color. Sus paisajes muestran una rica variedad de tonos y matices, lo que refleja su profundo entendimiento de cómo la luz afecta a los objetos y el paisaje. La forma en que capturó los efectos de la luz solar en el agua, las playas, los edificios y las personas le permitió una atmósfera única y envolvente en sus cuadros.

«Yo lo que quisiera es no emocionarme tanto, porque después de unas horas como hoy, me siento deshecho, agotado, no puedo con tanto placer, no lo resisto como antes, es que la pintura cuando se siente es superior a todo; he dicho mal, es el natural lo que es hermoso».

Joaquín Sorolla.

Además:

Franz Marc (1880- 1916).

Fue un pintor representante del expresionismo alemán del siglo XX. Es conocido por los retratos de animales realizados durante su periodo expresionista, los cuales se caracterizan por la brillantez de sus colores primarios que están inspirados en la paleta de Robert Delaunay. Su obra se destaca por la simplicidad, la fuerza vital de la naturaleza y un profundo sentido de emoción, unidos al uso de colores significativos, como el azul para la austeridad masculina y lo espiritual, el amarillo para la alegría femenina o el rojo para la violencia.

Su interés primario como artista era plasmar su veneración mística por el mundo animal. Creía que los animales eran seres puros y espirituales, y a través de sus pinturas, intentaba comunicar una conexión emocional y espiritual entre la humanidad y la naturaleza. Utilizaba colores intensos y simbólicos para representarlos, lo que daba a sus pinturas un sentido de vitalidad y emotividad. Marc también fue un maestro en la representación de las formas y los movimientos de los animales, lo que le permitía capturar su esencia y expresar sus emociones a través de las obras.

Su estilo evolucionó del impresionismo al simbolismo, pasando por el cubismo, el futurismo y el expresionismo, llegando finalmente a una sobria abstracción. Su enfoque innovador y su búsqueda de la esencia espiritual a través de la naturaleza siguen siendo apreciados y estudiados en la actualidad.

Por otro lado:

Diego Rivera ​(1886- 1957).

​Fue un pintor realista, cubista y muralista mexicano, famoso por plasmar obras de alto contenido político y social en edificios públicos. Las obras de Diego y de su esposa, la pintora Frida Kahlo, se influenciaron mutuamente.

Fue creador de diversos murales en distintos puntos del ahora llamado Centro Histórico de Ciudad de México, así como en la Escuela Nacional de Agricultura de Chapingo, y en otras ciudades mexicanas (Cuernavaca y Acapulco), norteamericanas y sudamericanas (Buenos Aires, San Francisco, Detroit y Nueva York).

«La tierra fecunda o la tierra liberada con las fuerzas naturales controladas por el hombre».

En este mural, uno de los fundamentales de Diego Rivera, se «destaca una mujer embarazada que yace sobre su lado derecho. Este panel se llama La tierra fecunda. En el embarazo de la mujer, Rivera simboliza el único momento de la vida humana donde lo femenino y lo masculino conviven en un solo cuerpo. Convergen en ella también la fuerza de la naturaleza y la acción de la historia».

«La mujer embarazada está rodeada de los cuatro elementos, y, al mismo tiempo, aparecen elementos de la ciencia y la tecnología». 

«Así, en esta obra realiza lo que los conocedores llaman, un canto a los ciclos de la vida. Los paneles laterales derechos son una celebración de la naturaleza, que representa un principio femenino asociado a la fecundidad. Mientras tanto, los paneles izquierdos evocan la fuerza histórica, el trabajo, las luchas y las revoluciones, asociadas simbólicamente con lo masculino».

De «5 obras fundamentales de Diego Rivera» de Andrea Imaginario

Su arte se arraiga en las tradiciones autóctonas de México, su pasado artístico prehispánico (donde la pintura mural fue una práctica constante) y la de la estampa popular mexicana. 

Sus imágenes poseen un mensaje inequívoco en el que se pone de relieve la opresión de la población indígena y campesina, a la par que se satiriza con dureza a las clases dominantes.

Biografia de Diego Rivera (biografiasyvidas.com)

Ver más obras de Diego Rivera:

«er mundo de manué»: Diego Rivera, pinturas, murales, obras. (ermundodemanue.blogspot.com)

En síntesis:

La obra de Diego Rivera es de gran importancia en el mundo del arte por varias razones. En primer lugar, es considerado uno de los muralistas mexicanos más destacados del siglo XX, y sus obras reflejan la historia, cultura y política de México.

Rivera también fue parte de un grupo de artistas que buscaban llevar el arte a las masas y utilizarlo como herramienta para la educación y la conciencia social. Su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones y retrospectivas en todo el mundo, lo que ha contribuido a su reconocimiento y valoración en el ámbito artístico.

Así como:

Egon Schiele (1890- 1918).

Fue un pintor y grabador austriaco contemporáneo y discípulo de Gustav Klimt. Fue, junto a Oskar Kokoschka, el mayor representante del expresionismo austriaco. En su corta, pero agitada vida produjo 340 pinturas y alrededor de 2800 dibujos.

Si bien Schiele es conocido por sus retratos y figuras, sus paisajes son muy apreciados actualmente, ya que transmiten emociones y sentimientos, muchas veces de melancolía, angustia, soledad y contemplación. Schiele aplicaba líneas angulares y trazos expresivos en sus paisajes. A menudo simplificaba la representación de la naturaleza, utilizando formas y colores intensos para capturar la esencia emocional del paisaje en lugar de una representación realista detallada. Schiele buscaba expresar la atmósfera y la sensación emocional del lugar. Utilizaba tonos oscuros y terrosos junto con toques de colores más vivos y audaces para crear una paleta única y emotiva.

«Quiero paladear aguas oscuras y árboles que se quiebran, ver vientos salvajes; quiero mirar asombrado, verjas mohosas, como viven todos ellos, escuchar bosques jóvenes de abedules y las hojas tiritando, quiero ver luz y sol y disfrutar al atardecer de los húmedos valles de color azul verdoso. Sentir como brillan los peces dorados, ver como se forman las nubes blancas, quiero hablar con las flores. Ver con cariño los prados y las gentes sonrosadas, conocer iglesias antiguas y dignas y pequeñas catedrales, quiero correr sin parar por redondeadas colinas y amplias llanuras, quiero besar la tierra y oler las suaves y cálidas flores del musgo; después crearé con tanta hermosura: campos de colores».

Egon Schiele

Por otro lado:

René Magritte (1898- 1967).

Fue un pintor surrealista belga, conocido por sus ingeniosas y provocativas imágenes. Pretendía, con su trabajo, cambiar la percepción pre-condicionada de la realidad y forzar al espectador a hacerse hipersensitivo a su entorno. 

Magritte dotó al surrealismo de una carga conceptual basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado denotado a través de, incluso, palabras, poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado y uno real.

Era conocido por representar cielos con nubes de manera dramática e inusual. Las nubes a menudo aparecen en formas inverosímiles o se utilizan para enmascarar otros elementos de la pintura.

Magritte a menudo presentaba paisajes familiares o elementos naturales, pero los colocaban en un contexto inusual o en combinación con otros elementos inesperados. Esto llevaba al espectador a cuestionar la relación entre los objetos y el entorno, creando un sentido de extrañeza.

“No hay respuestas en mis pinturas, sólo preguntas».

René Magritte.

Buscó dar un significado distinto a las imágenes superponiendo objetos de mundos y espacios diferentes, logrando así una obra sumamente creativa y transgresora.

Aunque sus paisajes pueden parecer realistas a primera vista, Magritte infundía detalles cuidadosamente pintados para resaltar la naturaleza ilusoria de lo que se estaba viendo. A menudo, los objetos en sus paisajes parecen flotar o desafiar la gravedad.

“No tengo sensación de añadir algo al mundo. ¿De dónde iría yo a tomar lo que añado, sino del mundo?”

René Magritte.

Antonio Ligabue.

Nacido Antonio Laccabue (Zúrich 18 de diciembre de 1899) fue un pintor italiano, entre los mayores exponentes del arte naïf («ingenuo») en el siglo XX. Falleció el 27 de mayo de 1965 (65 años) en Gualtieri (Italia).

Sus pinturas transmitían una profunda emoción y tensión. Los trazos vibrantes y las formas audaces contribuían a una sensación de vitalidad y urgencia en sus obras.

Antonio Ligabue representa tanto animales domésticos, atrapados en una atmósfera rural, como a animales salvajes – tigres, leones, leopardos, gorilas, zorros, águilas- de los cuales conocía muy bien la anatomía, a menudo representados en el momento en que están a punto de caer sobre la presa, con una exasperación de carácter expresionista, en la forma y en el color, y con una atención casi espasmódica para la reiteración de elementos decorativos. De ANTONIO LIGABUE. L’UOMO, L’ARTISTA – CLP (clp1968.it)

Ligabue solía utilizar colores brillantes y contrastantes, creando composiciones poderosas y llamativas. Sus formas y figuras también eran algo distorsionadas, lo que contribuía a la singularidad de su estilo.

Autorretrato con perro

Reconocimiento tardío:

A pesar de su talento, Ligabue luchó con problemas emocionales y sociales durante su vida y, en gran medida, no fue reconocido por su trabajo hasta después de su muerte. Después de su fallecimiento, su legado artístico recibió mayor atención y valoración.

Renato Guttuso (1911-1987).

Pintor italiano representante del expresionismo y exponente de la cultura eurocomunista italiana. 

Sus pinturas se inspiraban en los pintores sicilianos «paesaggisti» del 1800. Desarrolló su arte «social» en Milán en el que revela un gran empeño moral y político, plasmado en pinturas como «Fucilazione in Campagna» (1938), dedicada al escritor García Lorca. La colección de dibujos llamada «Massacri» denuncia las matanzas nazi-fascistas, como la masacre de las Fosas Ardeatinas.

En su obra alterna la naturaleza muerta con objetos propios de las humildes casas de su tierra y con los paisajes del golfo de Palermo (Sicilia).

Archivi Guttuso – sito ufficiale Renato Guttuso

Enfoque realista:

Guttuso era conocido por su habilidad para representar paisajes con gran detalle y precisión. Su estilo realista le permitía capturar la esencia de los escenarios naturales y urbanos con gran fidelidad, creando obras con una apariencia vívida y auténtica.

Uso del color:

El pintor siciliano empleaba colores intensos y vivos en sus paisajes, lo que añadía una sensación de vida y energía a sus obras. Utilizaba una paleta rica en tonos terrosos y cálidos, pero también no tenía reparos en emplear colores audaces y contrastantes cuando así lo requería la escena.

Fidelidad a la naturaleza:

A pesar de su estilo expresionista, Guttuso se esforzaba por ser fiel a la naturaleza. Sus paisajes se caracterizan por la representación precisa de los elementos naturales, como árboles, montañas, mares y cielos. No obstante, su interpretación personal y emocional les confería una dimensión única.

«Pintar es inspirarse en lo que se ve y se piensa, en lo que se descubre:
puede ser una puesta de sol, un árbol, un par de zapatos viejos o un cuadro…»

Renato Guttuso, 1966

Eyvind Earle (1916 – 2000)

Fue un artista, autor e ilustrador estadounidense, conocido por su contribución a la ilustración de fondo y el estilo de las películas animadas de Disney en la década de 1950. El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo de Arte Rahr West, el Museo de Arte de Phoenix y el Museo de Arte de la Universidad Estatal de Arizona han comprado las obras de Earle para sus colecciones permanentes.

Uno de los aspectos más notables de la carrera de Eyvind Earle fue su trabajo para Walt Disney Studios. A partir de 1951, trabajó en la creación de fondos y estilos visuales para varias películas animadas de Disney, incluyendo «La Bella Durmiente» (Sleeping Beauty), estrenada en 1959. Su estilo se caracterizaba por líneas definidas y colores vibrantes, con una marcada influencia de la naturaleza y los paisajes. Sus fondos para «La Bella Durmiente» se destacaron por su detallada belleza y se consideran algunas de las obras más icónicas de su carrera.

Después de su paso por Disney, Earle continuó pintando y exhibiendo sus obras en galerías de arte. Se centró especialmente en paisajes, retratando impresionantes vistas de la naturaleza, desde majestuosas montañas y frondosos bosques hasta exuberantes campos y escenas costeras. Sus pinturas transmitían una sensación de serenidad y magia, capturando la esencia de la naturaleza de una manera única.

El estilo distintivo de Eyvind Earle se caracterizaba por la simplificación de formas y líneas, con un enfoque en la geometría y el uso creativo del color. Sus paisajes a menudo mostraban patrones geométricos, lo que le daba un toque mágico y fantástico a sus obras.

«He pintado cuadros, y estoy constante y eternamente abrumado por la estupenda infinidad de la Naturaleza. Dondequiera que miro y miro, allí veo la creación. El arte es crear… El arte es la búsqueda de la verdad”.

Eyving Earle.

Más información en: Eyvind Earle – Sitio Oficial – Eyvind Earle – Sitio Oficial

Finalmente:

Pino Daeni (1939-2010).

Fue un artista e ilustrador de libros, ítalo-estadounidense. Es conocido por su estilo y representaciones de mujeres sensuales y románticas u hombres poderosos pintados con trazos ligeros pero precisos. Considerado uno de los ilustradores de libros mejor pagados de su tiempo, ha creado más de 3000 portadas de libros, carteles de películas e ilustraciones de revistas.

Fue un artista contemporáneo que ganó renombre mundial gracias a su estilo artístico distintivo y su habilidad para capturar la belleza femenina en sus pinturas. Su obra es conocida por evocar una sensación de romanticismo y nostalgia, transmitiendo emociones y atmósferas cautivadoras.

Su pincelada se caracteriza por mujeres suavemente iluminadas, pintadas con sombras verdosas suaves y reflejos distintivos y gruesos de color pastel, a menudo con vestidos y fondos de colores vibrantes. Conocido por su capacidad para capturar expresiones fugaces y de movimiento. Utilizaba colores suaves y una técnica impresionista para lograr un efecto de luz y sombra que dotaba a sus pinturas de una atmósfera cálida y onírica, donde la naturaleza servía de fondo.

Los siguientes pintores famosos también representaron a la Madre Tierra, Gaia, Gea.

Nuestra Madre Tierra, conocida por diferentes nombres como Gaia o Gea, es un ser vivo que merece nuestro respeto y protección