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Mujer en el Arte.
Arte

Importancia del papel de la mujer en el mundo del arte y su evolución.

En el mundo del arte, la mujer desempeñó, a lo largo de la historia, un papel significativo y de continua evolución en la búsqueda de su propio espacio.

Inicialmente, quedaban relegadas a ocupar los roles pasivos de musas o modelos. En cambio, otras lucharon como artistas, en un rol de mayor protagonismo.

LA MUJER ARTISTA, SUS LUCHAS Y LOGROS.

Como en otros ámbitos culturales, las mujeres, no fueron reconocidas ni valoradas. Aunque se destacaran en las diversas actividades de las artes plásticas, los primeros lugares fueron ocupados por hombres. El valor económico de la obra de una mujer siempre fue inferior a la atribuida a los hombres.

Una de las primeras manifestaciones artísticas, efectuadas por una mujer, se remonta a la Edad Media, al Siglo X. Por lo general, los artistas del medioevo no firmaban sus obras, pero en el ejemplar del Comentario del Apocalipsis de Beato de Liébana, que se conserva en la Catedral de Gerona, aparecen los nombres de Ende, «pintora y sierva de Dios» y del monje Emeterio.

Mujer sobre bestia roja. Ende.

PINTORAS QUE HICIERON HISTORIA.

Muchas mujeres, en su lucha lograron desafiar el mundo de las Artes, netamente masculino.

Gracias a su constancia y tenacidad, la mujer logró tener un papel de fundamental importancia en el mundo del arte y luchó por su evolución.

En primer lugar:

SOFONISBA ANGUISSOLA

(Cremona, c. 1535, Palermo, 1625)

Fue una pintora italiana considerada la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento.  El talento de Anguissola llamó la atención de Miguel Ángel, que fue una especie de tutor informal.

Cultivó el retrato y el autorretrato, estableciendo nuevas reglas en el ámbito del retrato femenino. A los 27 años se estableció en España, en la corte del rey Felipe II.

Se le adjudica un importante papel como eslabón entre el retrato italiano y el español en el siglo XVI, además de notable influencia en el desarrollo posterior de este género en Italia.

Enlace


En segundo lugar:

ARTEMISIA GENTILESCHI

(Roma,1593 – Nápoles, hacia 1654)

Fue una pintora barroca italiana, representante del caravaggismo. «Pintó cuadros históricos y religiosos en un momento en que estos temas heroicos eran considerados inadecuados para el espíritu femenino». De Biografía Artemisia (fundacionannao.org)

Aprendió de su padre, el pintor Orazio Gentileschi, la técnica del dibujo, y el fuerte naturalismo de las obras de Caravaggio, con quien se la ha comparado por su dinamismo y por las escenas violentas que a menudo representan sus pinturas. Se ha interpretado, dicha violencia. como la expresión de un deseo de venganza respecto a la violación que ella sufrió en su juventud.

Dio sus primeros pasos como artista en Roma, hasta llegar a tener una clientela internacional.

Enlace – Obra: «Judit y su doncella»

Libros


Luego:

MARY STEVENSON CASSATT

(1844-1926)

Fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Pensilvania, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista.

Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

Libros

También:

LOUISE CATHERINE BRESLAU

Fue una pintora alemana nacionalizada suiza. Nació en Múnich en 1856 y murió en 1927 en Neuilly-sur-Seine.

Breslau participó del Salon de la Société Nationale des Beaux-Arts de París en 1890, no sólo exhibiendo sus obras, sino también como jurado.

Se convirtió en la tercera mujer artista, y la primera mujer artista extranjera en ser galardonada con el premio de la Legión de Honor de Francia.

Madeleine Zillhardt, con quien vivió más de cuarenta años, se convirtió en su musa, modelo, confidente y simpatizante. Heredó la herencia de Breslau y más tarde donó pasteles y dibujos al Museo de Bellas Artes de Dijon.

Madeleine Zillhardt en La Toilette.

El papel de la mujer en el mundo del arte fue una continua evolución en medio de luchas y logros.


HILMA AF KLINT

 (1862 -1944)

Artista sueca conocida por ser pionera del arte abstracto.

Si bien realizó pinturas abstractas antes que Kandisvky o Mondrian, su obra no fue conocida hasta la década del ’80, por su expreso deseo. Creaba en estado de trance. Su interés por el espiritismo la llevó a practicar la pintura «automática», en donde espíritus, denominados «altos maestros», emanaban mensajes para sus obras. Su intención fue explorar mundos ocultos.

“Las imágenes fueron pintadas a través de mí, sin dibujos preliminares. No tenía idea de lo que representaban, y sin embargo trabajé con rapidez y seguridad, sin cambiar una sola pincelada”.

Hilma af Klint

De lo espiritual en el arte, el libro de Kandinsky, fue revolucionario. Pero lo que escribió Hilma af Klint también. En esos textos hay mucho de espiritual y misticismo. ¿Es posible que Kandinsky haya conocido la obra de la artista antes de generar la suya? No hay documentación que avale un encuentro, aunque hay algunos puntos en común que podrían despertar suspicacias. Eso sí, asegurarlo fácticamente resultaría irresponsable.

De «La vida secreta de Hilma af Klint, la madre de la abstracción que pintaba guiada por espíritus».

LIBROS.

NATALIA GONCHAROVA

(1884-1962)

Fue una destacada pintora rusa del cubo-futurismo, una de las corrientes de la vanguardia rusa.

Enlace – Obra: Gatos Rayonistas

La artista reflejó en sus obras su inspiración en los aspectos primitivos del arte folklórico ruso, conjuntamente a elementos fauvistas y cubistas.

En el 1900, conoce al pintor Mijail Lariónov, con quien compartió su vida. Junto a él desarrolló el rayonismo o cubismo abstracto. Este es un movimiento artístico que surgió alrededor de 1910 y fue reconocido como una de las primeras manifestaciones del arte abstracto.

La pareja de pintores organizó en 1912, una exposición denominada «La cola del burro», cuya finalidad era diferenciarse del arte europeo e instaurar una escuela independiente rusa de Arte moderno.

Libros

Así como:

SONIA DELAUNAY (1885 -1979)

Fue una pintora y diseñadora francesa, nacida en Ucrania.

Militó, junto a su marido, Robert Delaunay, en el movimiento conocido como orfismo (1912-1914), nombre que se le da a  la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino, que exalta el color y la luz.

En 1914 la pareja se instala en Madrid, entre 1915 y 1920 en Portugal, donde realizan obras sobre el tema del flamenco y del tango.

Desde 1913 hasta 1935, Sonia Delaunay, se dedica también a las artes aplicadas (cojines, chalecos, vestidos, pantallas). Realiza encuadernaciones, tapas e ilustraciones de libros, como por ejemplo: Las iluminaciones – Arthur Rimbaud (Libro ilustrado por Sonia Delaunay).

Obras

La conjunción de sus ilustraciones con la poesía de Blaise Cendrars, logran que La prosa del transiberiano y de la pequeña Jehanne de Francia” (1913) sea considerada como una de las obras maestras en el arte del libro ilustrado del siglo XX.

Obras de Sonia Delaunay en el Museo Reina Sofía, Madrid.

Sonia Delaunay es reconocida como la especialista en el arte de la vestimenta y de la influencia de la pintura sobre la misma.

En los años 30 Sonia y Robert Delaunay se unen al grupo Abstracción-Creación que defiende el arte no figurativo.

Entre 1935 y 1937 retorna a la pintura y realiza paneles murales. La Exposición Internacional de las Artes y Técnicas que se inaugura en 1937 en París es, para los defensores del arte total, la oportunidad de dar una dimensión pública a la abstracción. Los Delaunay participan activamente en la gran aventura colectiva del «arte en la calle» impulsado por el Frente Popular.

En 1941 muere Robert Delaunay y Sonia se retira, hasta el final de la guerra.

En 1946, es cofundadora del Salón de las Realidades Nuevas.

Siempre fiel al color puro, exaltada por la ley de los contrastes simultáneos, realiza series, concibe mosaicos, vidrieras, tapices, decorados y vestuarios de teatro e ilustra libros.


Sonia Delaunay muere en París en 1979.

LIBROS


Además

GEORGIA O´KEEFFE

(Sun Prairie, 1887 – Santa Fe, 1986)

Fue una artista estadounidense, perteneciente a la Escuela Preciosista americana; conocida en especial por sus pinturas de flores, rascacielos de Nueva York y paisajes de Nuevo México.

Enlace – Obra: «Blue and Green Music»

O’Keeffe fue reconocida como la «Madre del modernismo estadounidense».

Libros


Asimismo:

TAMARA DE LEMPICKA

Nacida en Varsovia, Polonia, el 16 de mayo de 1898, murió en Cuernavaca, México, el 18 de marzo de 1980.

Especializada en las figuras femeninas, el lujo, el erotismo y la moda. Es conocida por sus retratos de mujeres en su elegante estilo art decó.

Influenciada por el arte renacentista italiano y el cubismo, Lempicka es considerada una de las mayores representantes del estilo art decó en dos continentes. Fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y se la denominó «la baronesa con pincel».

Enlace – Obra: «Tamara en el Bugatti verde»

Fue la retratista más reconocida de su generación entre las altas esferas sociales. A través de su red de amistades, fue capaz de exponer sus pinturas en los salones de mayor relevancia del momento.

Libros


Para continuar con:

ALICE NEEL

Pensilvania, 1900 – Nueva York, 1984.

Fue una de las retratistas estadounidenses más destacadas del siglo XX. En sus obras queda reflejado su interés por representar personas «reales» de diferentes condiciones sociales y orígenes (su familia y amigos, personajes y artistas destacados, gente de la calle). Se proclamaba a sí misma como una “coleccionista de almas”.

Muchos de los terribles acontecimientos del siglo XX (guerras, depresión económica, lucha por derechos civiles, etc.) están presentes en su obra. Se interesó en la defensa de los marginados por género, orientación sexual, clase social o raza.

Fue una gran defensora de la justicia social, del humanismo y de la dignidad de las personas, centrándose en quienes han experimentado la injusticia como resultado del sexismo, el racismo y el capitalismo.

«He intentado reivindicar la dignidad y la eterna importancia del ser humano».

Alice Neel.

Robert, Helen And Ed.


FRIDA KAHLO.

Nació en Coyoacán, México en 1907 y murió en el 1954.

Fue una mujer con un importante peso en la historia, y no únicamente por ser de una de las pintoras más notables. Considerada un ícono pop, expresó en su obra la identidad femenina desde su propia óptica, rechazando la visión de lo femenino que se dibujaba desde el tradicional mundo masculino.

Su obra es biográfica y tiene un estilo muy personal que la hizo triunfar. Aún hoy es uno de los principales iconos del feminismo en todo el mundo.

Su vida estuvo marcada por el sufrimiento físico: enfermedades, accidentes. Por muchos años estuvo postrada en cama, aunque estas limitaciones no le impidieron pintar.

«Pies para qué los quiero, si tengo alas para volar».

Frida Kahlo

Estos hechos la condicionaron e influenciaron sus obras. Representan su sufrimiento. Desde su cama, realizó muchos de sus autorretratos, ayudada por un espejo colgado del techo.

«Pinto autorretratos porque estoy mucho tiempo sola».

«Me pinto a mí misma, porque soy a quien mejor conozco». 

Frida Kahlo
Las dos Fridas.

«Las Dos Fridas» (1939) – Museo de Arte Modern

Frida y Diego

Un día decidió someter sus pinturas a la opinión de Diego Rivera, ilustre pintor de la época. Rivera quedó impresionado por el estilo moderno de Frida, tanto que la tomó bajo su propia ala y la colocó en la escena política y cultural mexicana.

Se convirtió en activista del Partido Comunista Mexicano, al que se inscribió en 1928 y participó en numerosos eventos políticos.

Se enamoró de Diego Rivera y se casó. Vivieron una relación tormentosa con numerosas infidelidades y relaciones extramatrimoniales homosexuales.

Junto a su marido, compartió el gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas. La identidad mexicana también es evidente en su forma de vestir. De hecho, Frida se inspiró en el traje de mujer de Tehuantepec, un municipio de Oaxaca, que tiene una reputación de «sociedad matriarcal».

En 1939, expuso sus obras en Francia, invitada por André Breton. Fue el escritor quien intentó convencerla de que su obra era surrealista, aunque ella siempre sostuvo:

«Nunca pinto sueños o pesadillas. Pinto mi propia realidad».

Frida Kahlo
Foto di ban75 da Pixabay

En agosto de 1953, por una infección por gangrena, le amputaron la pierna derecha. Murió de embolia pulmonar a la edad de 47 años en 1954. Fue incinerada y sus cenizas se conservan en su Casa Azul, ahora sede del Museo Frida Kahlo.

Las últimas palabras que escribió en el diario fueron:

«Espero que la salida sea alegre y espero no volver nunca».

Frida Kahlo

«CASA AZUL»

Su universo creativo, lo podemos encontrar en la «CASA AZUL», casa en la que nació y murió. En 1958 se ha convertido en uno de los museos más concurridos de la capital mexicana. Allí se encuentran sus objetos personales, que muestran su mundo más íntimo.

Si bien tuvo el reconocimiento de pintores de su época, como Pablo Picasso, Vasili Kandinsky, Marcel Duchamp, su obra logró fama y reconocimiento mundial después de su muerte.

El papel fundamental de una mujer como Frida Kahlo, ayudó a la evolución del arte a través de sus luchas.

SUS OBRAS

LIBROS

PUZZLES

Barbie – Muñeca Frida Kahlo.


REMEDIOS VARO

Anglès, 1908 – Ciudad de México, México, 1963

Fue una pintora surrealista, escritora y artista gráfica española exiliada política en México primero y más tarde naturalizada mexicana. 

Nació en Girona, España, pero siempre se sintió mexicana.

Su original obra es una síntesis entre simbolismo, surrealismo y fantasía influenciada por las teorías freudianas referentes al inconsciente.

En su arte es posible reconocer la inspiración en grandes pintores como El Greco, El Bosco o Goya y escritores como Julio Verne o Edgar Allan Poe.

Su carácter independiente se manifestó en su obra artística única y de vanguardia.

Libros


Por último, otra mujer con un papel importante en la evolución del arte fue:

LEONORA CARRINGTON

(1917 – 2011)

Fue una artista mexicana de origen británico, pintora surrealista y novelista.

En 1937 conoce a Max Ernst y decide vivir con él. Participa en 1938, de la «Exposición internationale du surrealisme, Galerie Beaux Arts», París.

En 1941 después de que Max Ernst es encarcelado, Leonora se escapa a Portugal donde conoce a Renato Leduc, a partir de una presentación a cargo de Pablo Picasso y consigue evitar la guardia de su padre y se escapa a la embajada mexicana.

En 1942 se establece en México y se encuentra con algunos amigos refugiados, Benjamin Peret, Remedios Varo y Kati Horna.

Fundación Leonora Carrington (fundacionleonoracarrington.org)

Vivió la mayor parte de su vida adulta en la Ciudad de México y fue una de las últimas participantes sobrevivientes en el movimiento surrealista de la década de 1930. Carrington también fue miembro fundador del movimiento de liberación de mujeres en México durante la década de 1970.

En las obras de Carrington, la dimensión onírica invierte los conceptos de atracción y repulsión; figuras híbridas, animales, monstruos que no despiertan horror, sino que están cargadas de una fuerte connotación erótica.

Otra característica típica de sus obras es la manifestación de actitudes transgresoras o violentas; imágenes de sangre podrida, cadáveres, cuerpos, canibalismo y asesinato. Además, la tendencia a la teatralización, a la puesta en escena, típica de los sueños, se traduce en la meticulosa reproducción de trajes y disfraces, fiestas y banquetes, y en la caricatura satírica de figuras y personalidades eclesiásticas.

Libros

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